La mise en scène. C’est une expression au style un peu “chic” que vous avez déjà vue passer dans beaucoup d’articles sur le cinéma, et qui traîne souvent avec elle une impression de snobisme. Rassurez-vous : vous n’êtes pas la première personne à demander « qu’est-ce que la mise en scène ? ». Après aujourd’hui, vous aurez une meilleure compréhension de ce concept et de ses fondamentaux, afin de pouvoir l’appliquer à votre prochain projet.

La mise en scène au cinéma

Comment définir la mise en scène au cinéma

La mise en scène peut être une idée difficile à saisir. C’est un concept à la fois très nuancé et très subjectif. Mais en le décomposant, la stratégie de base reste simple : comment créer l’image la plus « porteuse de sens » possible ?

Avant d’entrer dans les détails, commençons par une définition de la mise en scène. Ensuite, nous regarderons les films de Wes Anderson pour comprendre comment il a fait de « l’attention au détail » un véritable art.

Définition

Qu’est-ce que la mise en scène ?

La mise en scène désigne l’agencement des décors et des accessoires de scène dans une pièce de théâtre. Traduite du français, l’expression signifie littéralement « mettre en scène » / « installer le décor », mais, en analyse filmique, le terme mise en scène renvoie à tout ce qui se trouve devant la caméra, y compris la conception du décor, l’éclairage et les acteurs. Au cinéma, la mise en scène correspond à l’effet global produit sur le public par la manière dont tous ces éléments se combinent.

Les éléments de la mise en scène incluent :

• Les décors
• Les accessoires
• L’éclairage
• Les costumes
• Le placement et les déplacements des acteurs (blocking)
• La composition du plan

On ne peut pas nier l’importance de la mise en scène au cinéma. Lorsqu’elle est bien utilisée, elle élève un film, le faisant passer d’une simple suite d’images en mouvement à une forme d’art intentionnelle. Quelque chose de chargé d’atmosphère et d’émotion, qui attire le spectateur et ne le lâche plus.

Pour voir quelques-uns des meilleurs exemples de mise en scène au cinéma, observons un réalisateur contemporain qui a véritablement façonné une signature visuelle unique.

Il s’agit, bien sûr, du « magicien de la fantaisie » : Wes Anderson.

Analyse de la mise en scène

Laissons M. Anderson définir la mise en scène

De son premier film Bottle Rocket à The French Dispatch, Wes Anderson a constamment démontré un talent remarquable pour construire des univers. Cela tient en grande partie à sa méthode singulière de narration visuelle. Voyons comment il explique son approche du cinéma.

Il existe un « style Wes Anderson » immédiatement reconnaissable dans toute son œuvre : un souci du détail très précis, le respect rigoureux de règles de composition, des personnages absurdes et un usage intense de la théorie des couleurs. En réalité, l’utilisation active de la mise en scène chez Anderson apparaît clairement à travers sa manière sophistiquée d’employer les couleurs.

Ses mondes sont souvent des explosions de couleur vives, saturées, expressives. Mais quand on réalise que ses personnages sont souvent déprimés, traumatisés, voire en proie à des idées suicidaires, ces choix chromatiques complexifient le ton de façon très intéressante. Une analyse met en avant certains des meilleurs exemples de mise en scène au cinéma chez Wes Anderson, notamment via son travail de design couleur.

Parlons maintenant des principaux éléments de la mise en scène. Ensuite, nous verrons comment Wes Anderson les utilise pour créer des films si originaux qu’on pourrait les qualifier de… « wesandersoniens ».

Éléments de mise en scène

Mise en scène et design de production (production design)

Le design de production est un terme “parapluie” qui englobe tout ce qui relève du « look » d’un film. Cela inclut les décors et les lieux, les accessoires, les costumes et le maquillage des personnages, etc. Tout cela fait partie des responsabilités du chef décorateur / production designer.

En travaillant avec le production designer, le réalisateur utilise le design de décor pour créer le monde de la scène. Tout ce travail se fait en préproduction et exige de la planification et de la concertation entre plusieurs départements.

La préproduction vous donne le temps d’organiser et de consolider vos idées sur la manière dont le design de production peut servir la meilleure mise en scène possible pour votre projet.

Un cinéaste qui a construit toute sa carrière sur un design de production remarquable est Tim Burton. Son style est unique, frappant et chargé de personnalité. Une analyse met en évidence la mise en scène théâtrale présente dans son travail.

Le “pain quotidien” de Wes Anderson, c’est aussi le design de production. En gardant en tête la métaphore de la maison de poupée, ses décors montrent à quel point ses personnages sont détaillés. Par exemple, les chambres sont conçues comme une représentation physique de la personne qui y vit.

The Royal Tenenbaums le fait très bien. Lorsqu’on nous présente les trois enfants Tenenbaum, on n’a pas besoin de narration pour comprendre qui ils sont.

• L’athlète a son matériel de tennis…
• L’écrivaine a sa bibliothèque…
• Et l’homme d’affaires rigide est « tout business ».

Avec des décors pensés en fonction de la mise en scène, les mondes des personnages sont visualisés. Mais ce n’est que le début du fonctionnement de la mise en scène au cinéma. Il faut encore capturer ces décors à l’image et c’est là que la cinématographie entre en jeu.

Mise en scène et image

Mise en scène et cinématographie

Comme vous le savez, les bases de la cinématographie comprennent tout ce qui concerne la capture des images : le type de caméra et la pellicule (ou le capteur) utilisés, les techniques d’éclairage, les mouvements de caméra, etc.

L’un des liens les plus importants entre mise en scène et cinématographie, c’est la composition du cadre. La composition va de pair avec les techniques de cinématographie, y compris la multitude de plans et d’angles de caméra.

Être conscient de ce qui se trouve dans le cadre, puis choisir comment le filmer, c’est ainsi que vous contrôlez l’apparence de votre film.

Et si vous connaissez le style visuel de Wes Anderson, vous savez que la composition joue un rôle majeur. Où place-t-il les personnages et les objets ? Qu’est-ce qu’il montre ? Qu’est-ce qu’il choisit de ne pas montrer ?

Même quelqu’un qui n’a jamais vu un film reconnaîtrait un aspect-clé de la composition chez Wes Anderson : la symétrie.

Cela crée un effet étrange. Au lieu de ressembler à des montagnes russes, les films de Wes Anderson donnent l’impression d’être des maisons de poupée. Tout est parfaitement installé et “mis en scène”.

Une fois la composition définie, un autre point important entre mise en scène et cinématographie est l’éclairage. L’intensité, la profondeur et l’angle de votre lumière peuvent fortement influencer l’ambiance d’une scène.

Le point essentiel à retenir : l’éclairage est émotionnel. Il peut présenter un personnage ou une situation comme joyeux ou désespéré… détendu ou dramatique. En d’autres termes, différentes techniques d’éclairage produisent différents effets.

The Grand Budapest Hotel est vif et amusant pendant la majeure partie de sa durée, donc son éclairage est doux et chaleureux. Pourtant, le scénario d’Anderson inclut des scènes de violence, et il ajuste donc la lumière pour s’y accorder.

Il y a une scène de poursuite vers la fin dans laquelle un personnage est assassiné, et toute la scène est tournée dans l’ombre.

« Le moment Jeff Goldblum le plus effrayant depuis The Fly. »

Nous avons conçu les décors, choisi les costumes, décidé comment utiliser la cinématographie pour capturer l’image… mais la dernière pièce concerne les acteurs : leur performance et la manière dont ils bougent (ou ne bougent pas) dans le cadre — ce qu’on appelle le blocking (placement et déplacements).

Mise en scène et jeu d’acteur

Mise en scène et blocking (placements / déplacements)

Le dernier élément de la mise en scène que nous allons aborder est le blocking. Cela renvoie évidemment aux performances des acteurs, mais aussi à la façon dont ils sont disposés dans le cadre et interagissent avec l’environnement. Un blocking créatif peut donner de la vie et de l’énergie à une scène qui, autrement, paraîtrait figée.

Comme les acteurs sont presque toujours ce sur quoi le public se concentre, leur performance et la manière dont cette performance est présentée sont essentielles. Comment capter leur comportement, leur langage corporel ou leur relation aux autres personnages dans la scène ?

Diriger les acteurs en termes de mise en scène concerne aussi leur placement dans chaque scène. Des exemples de mise en scène montrent comment Kubrick, Spielberg et Iñárritu utilisent le blocking et la mise en place (staging) dans leur narration visuelle.

Les films de Wes Anderson sont surtout connus pour leurs plans symétriques, mais il existe une autre option, moins citée.

Dans The Royal Tenenbaums, le personnage de Margot est l’exclue taciturne. Dans presque tous les plans de groupe, elle se tient tout au fond ou sur le côté.

« Margot, gênée sur la gauche. »

Dans Life Aquatic, tous les personnages partagent un petit sous-marin au climax du film. L’endroit où chacun s’assoit dépend de sa proximité émotionnelle avec le personnage principal au centre.

« La symétrie rassemble le groupe. »

Des acteurs debout plutôt qu’assis inspirent un certain niveau de confiance. Des acteurs plus petits dans le cadre peuvent paraître faibles. Il y a trop de possibilités pour toutes les énumérer.

Le blocking peut produire un effet émotionnel très perceptible sur le public lorsqu’il fonctionne en combinaison avec les autres éléments de mise en scène. Chaque réalisateur aborde cette dimension de son art de manière différente.

Dans cet exemple, Francis Ford Coppola s’appuie sur le blocking et la mise en place pour représenter des dynamiques de pouvoir changeantes dans The Godfather.

Coppola adopte clairement une approche différente de celle d’un cinéaste comme Wes Anderson et c’est précisément ce qui fait la beauté du concept : il n’existe pas de « bonne » manière unique d’aborder la mise en scène au cinéma. Quand vous comprenez comment elle fonctionne, vous pouvez appliquer ces principes à n’importe quel projet.