La réalisation d’un projet audiovisuel ou cinématographique suit une ligne directrice structurée en plusieurs étapes bien définies de la conception de l’idée, jusqu’à sa diffusion sur nos écrans.

Parmi ces étapes figure le montage vidéo, qui permet d’assembler les images et les sons pour construire le récit et donner vit au projet.

Mais qu’est-ce que le montage cinématographique et quels sont ses principes ?

Définition du montage cinématographique

Le montage cinématographique consiste à découper et à assembler les images et les sons d’un film pour lui donner une forme compréhensible.

Ce travail est réalisé par le monteur, en lien avec le réalisateur et les producteurs. Ensemble, ils organisent les séquences, les scènes et donnent un rythme au film. Le montage influence directement la narration, l’émotion, l’atmosphère et la compréhension de l’histoire. Il permet au spectateur de suivre le récit sans confusion et d’en saisir le sens.

Évolution du montage

Aux débuts du cinéma, le montage n’existait pas vraiment. Les films étaient composés d’un seul plan filmé par une caméra fixe. L’image en mouvement suffisait à captiver le public.

Avec le temps, le cinéma a commencé à raconter des histoires. Le montage est alors devenu un outil indispensable pour organiser le récit. L’enchaînement des images a permis de créer des liens entre les scènes et de construire une narration compréhensible pour le spectateur.

Le processus de montage

À l’origine, le montage se faisait manuellement, en découpant et en collant la pellicule. Avec l’évolution des techniques, ce travail est devenu mécanique, puis numérique. Aujourd’hui, le montage se fait principalement sur ordinateur grâce au montage numérique non linéaire. Les images sont transformées en fichiers et peuvent être modifiées facilement.

Le film passe par plusieurs versions successives. Le monteur réalise une première version, puis le réalisateur intervient pour affiner le travail. Les producteurs participent ensuite aux ajustements. Le montage final correspond à la version définitive du film, celle qui sera diffusée au public.

Le rôle des femmes dans le montage

Au fil des années, le poste de monteur a été largement occupé par des femmes. À une époque où il était difficile pour elles d’accéder aux postes de réalisatrice ou de productrice, le montage était plus accessible. À l’origine, ce travail était considéré comme technique plutôt que créatif, car il consistait surtout à assembler les scènes tournées par le réalisateur.

Pourtant, les monteuses ont prouvé que leur rôle dépasse la technique. En choisissant l’ordre des plans, le rythme et l’organisation du récit, elles apportent une contribution créative à la réalisation du film.

Principes et techniques du montage cinématographique

Pour qu’une scène soit facile à suivre, le montage s’appuie sur plusieurs techniques et principes. Ces techniques permettent d’organiser les images et les sons pour que le spectateur comprenne l’action et ressente l’émotion souhaitée derrière chaque plan.

Tout d’abord, la continuité, qui consiste à enchaîner les plans de manière fluide pour respecter l’espace et le temps de la scène, assure la cohérence entre les plans et évite les incohérences visuelles. Ensuite, le montage alterné, qui consiste à montrer deux actions ou plus de manière successive, permet de suivre plusieurs événements en parallèle et de créer un lien entre eux. Par ailleurs, la coupe franche, qui est une transition directe d’un plan à un autre sans effet intermédiaire, peut produire un effet de rupture ou de surprise et accélérer le rythme de la scène.

De plus, le fondu enchaîné, qui superpose progressivement deux images, relie les scènes de manière douce et peut montrer le passage du temps ou un lien entre deux situations. Le fondu au noir ou au blanc, quant à lui, marque la fin d’une scène de manière progressive et permet de créer une pause ou une conclusion visuelle. Ensuite, les coupes en J et en L, qui utilisent le son pour introduire ou prolonger l’audio d’une scène avant ou après le changement d’image, assurent une transition plus naturelle. Le jump cut, qui supprime une partie du temps ou du mouvement dans un plan, crée une rupture volontaire et un effet dynamique. En complément, le raccord, qui relie deux plans par un élément visuel, assure la continuité entre les scènes. Le montage en séquence, qui condense le temps à travers une succession de plans, montre une évolution ou un changement. Enfin, le champ-contrechamp, qui alterne les points de vue de deux personnages en interaction, organise les échanges et rend les dialogues plus immersifs.

En somme, toutes ces techniques de montage travaillent ensemble pour permettre au spectateur de suivre l’histoire et de ressentir les émotions souhaitées par le réalisateur.